Zeitgenössische Kunst im Chefs Warehouse
Die Travelling Art Gallery ist eine Künstlerinitiative aus Südafrika, die Werke junger und etablierter Künstlerinnen und Künstler einem breiten internationalen Publikum präsentiert. Nach der Premiere 2017 folgten zahlreiche Ausstellungen in Frankfurt, Berlin, München, Palma de Mallorca und Hamburg. Als Partner des Chefs Warehouse Hamburg vertritt die Galerie 26 zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler vor Ort mit ihren vielseitigen Arbeiten.
Alle Werke sind käuflich zu erwerben. Auf Wunsch übernimmt The Travelling Art Gallery die professionelle Verpackung und den weltweiten Versand.
Für Anfragen oder Auskünfte senden Sie bitte eine e-Mail an: info@chefswarehouse.de zur Verfügung.
Ausstellungskatalog - alle Werke in der digitalen Übersicht
Alle aktuell ausgestellten Werke finden Sie hier aufgelistet. Klicken Sie auf die Miniatur für weitere Infos oder scrollen Sie durch die digitale Galerie. Infos zu den Werken und zu den Künstlerinnen und Künstlern finden Sie in den Detailansichten.
Androetta Bekker
daydreams
135 cm x 175 cm
4.600 €
Androetta Bekker wurde 1982 in einer Kleinstadt im Freistaat geboren und wuchs dort inmitten der vielfältigen südafrikanischen Kulturen auf. Schon früh durch ihre Mutter, selbst Künstlerin, an die Kunst herangeführt, lernte Androetta Bekker Kreativität als kraftvolles Ausdrucksmittel kennen. Doch erst später – nachdem eine erfolgreiche Karriere in den Naturwissenschaften durch einen traumatischen Unfall unterbrochen wurde – fand sie wieder zu ihren künstlerischen Wurzeln zurück. Dieser einschneidende persönliche Wandel prägte ihre Überzeugung, dass Veränderungen, so schwierig sie auch sein mögen, angenommen werden sollten, da sie oft als Katalysator für Entdeckungen und persönliches Wachstum dienen. Heute lebt und arbeitet Androetta Bekker in Kapstadt und lässt sich von der lebendigen kulturellen Vielfalt des Landes inspirieren. Ihre ausdrucksstarken und farbenfrohen Werke zeichnen sich durch ausdrucksstarke Illustrationen und markante Oberflächenmuster aus. Ihre Bildsprache ist zwar auffällig und dynamisch, doch ihre wahre künstlerische Leidenschaft gilt der Erforschung der Tiefe und Komplexität universeller menschlicher Emotionen. In ihren Porträts untersucht sie, wie Menschen selten eine einzelne Emotion isoliert erleben – wie Traurigkeit von freudiger Nostalgie durchdrungen sein kann oder wie Stolz von Angst und Wut überschattet wird. Ihre Arbeiten fangen diese vielschichtigen, oft widersprüchlichen inneren Zustände mit Feingefühl und Empathie ein. Androetta Bekkers Debütausstellung fand im Dezember 2020 statt. Seitdem hat sie beachtliche Anerkennung erhalten, darunter eine Platzierung unter den Top 40 beim Sanlam Portrait Award 2021 und einen Silberpreis beim internationalen Schwarz-Weiß-Kunstwettbewerb der Camelback Gallery im selben Jahr. Ihre Werke wurden in Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie Artisart, Cahoots und Rust-en-Vrede sowie in der Ausstellung „Home Is Where the Art Is“ im Zeitz MOCAA gezeigt. Diese Auszeichnungen führten zu zahlreichen Einladungen zu Gruppenausstellungen und Aufträgen, darunter auch internationale Präsentationen. Androetta Bekker stellte ihre Arbeiten im November 2022 und 2023 in Palma de Mallorca, Spanien, sowie in Kassel, Deutschland, aus. 2024 war sie auf der internationalen Gruppenausstellung „Positions Berlin Art Fair“ vertreten, die ihre charakteristischen Oberflächenmuster und ihre emotionale Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz in den Vordergrund stellte.
Androetta Bekker
Softly spoken dreams
160 cm x 120 cm
3.900 €
Androetta Bekker wurde 1982 in einer Kleinstadt im Freistaat geboren und wuchs dort inmitten der vielfältigen südafrikanischen Kulturen auf. Schon früh durch ihre Mutter, selbst Künstlerin, an die Kunst herangeführt, lernte Androetta Bekker Kreativität als kraftvolles Ausdrucksmittel kennen. Doch erst später – nachdem eine erfolgreiche Karriere in den Naturwissenschaften durch einen traumatischen Unfall unterbrochen wurde – fand sie wieder zu ihren künstlerischen Wurzeln zurück. Dieser einschneidende persönliche Wandel prägte ihre Überzeugung, dass Veränderungen, so schwierig sie auch sein mögen, angenommen werden sollten, da sie oft als Katalysator für Entdeckungen und persönliches Wachstum dienen. Heute lebt und arbeitet Androetta Bekker in Kapstadt und lässt sich von der lebendigen kulturellen Vielfalt des Landes inspirieren. Ihre ausdrucksstarken und farbenfrohen Werke zeichnen sich durch ausdrucksstarke Illustrationen und markante Oberflächenmuster aus. Ihre Bildsprache ist zwar auffällig und dynamisch, doch ihre wahre künstlerische Leidenschaft gilt der Erforschung der Tiefe und Komplexität universeller menschlicher Emotionen. In ihren Porträts untersucht sie, wie Menschen selten eine einzelne Emotion isoliert erleben – wie Traurigkeit von freudiger Nostalgie durchdrungen sein kann oder wie Stolz von Angst und Wut überschattet wird. Ihre Arbeiten fangen diese vielschichtigen, oft widersprüchlichen inneren Zustände mit Feingefühl und Empathie ein. Androetta Bekkers Debütausstellung fand im Dezember 2020 statt. Seitdem hat sie beachtliche Anerkennung erhalten, darunter eine Platzierung unter den Top 40 beim Sanlam Portrait Award 2021 und einen Silberpreis beim internationalen Schwarz-Weiß-Kunstwettbewerb der Camelback Gallery im selben Jahr. Ihre Werke wurden in Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie Artisart, Cahoots und Rust-en-Vrede sowie in der Ausstellung „Home Is Where the Art Is“ im Zeitz MOCAA gezeigt. Diese Auszeichnungen führten zu zahlreichen Einladungen zu Gruppenausstellungen und Aufträgen, darunter auch internationale Präsentationen. Androetta Bekker stellte ihre Arbeiten im November 2022 und 2023 in Palma de Mallorca, Spanien, sowie in Kassel, Deutschland, aus. 2024 war sie auf der internationalen Gruppenausstellung „Positions Berlin Art Fair“ vertreten, die ihre charakteristischen Oberflächenmuster und ihre emotionale Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz in den Vordergrund stellte.
Androetta Bekker
Tea Time
160 cm x 120 cm
4.400 €
Androetta Bekker wurde 1982 in einer Kleinstadt im Freistaat geboren und wuchs dort inmitten der vielfältigen südafrikanischen Kulturen auf. Schon früh durch ihre Mutter, selbst Künstlerin, an die Kunst herangeführt, lernte Androetta Bekker Kreativität als kraftvolles Ausdrucksmittel kennen. Doch erst später – nachdem eine erfolgreiche Karriere in den Naturwissenschaften durch einen traumatischen Unfall unterbrochen wurde – fand sie wieder zu ihren künstlerischen Wurzeln zurück. Dieser einschneidende persönliche Wandel prägte ihre Überzeugung, dass Veränderungen, so schwierig sie auch sein mögen, angenommen werden sollten, da sie oft als Katalysator für Entdeckungen und persönliches Wachstum dienen. Heute lebt und arbeitet Androetta Bekker in Kapstadt und lässt sich von der lebendigen kulturellen Vielfalt des Landes inspirieren. Ihre ausdrucksstarken und farbenfrohen Werke zeichnen sich durch ausdrucksstarke Illustrationen und markante Oberflächenmuster aus. Ihre Bildsprache ist zwar auffällig und dynamisch, doch ihre wahre künstlerische Leidenschaft gilt der Erforschung der Tiefe und Komplexität universeller menschlicher Emotionen. In ihren Porträts untersucht sie, wie Menschen selten eine einzelne Emotion isoliert erleben – wie Traurigkeit von freudiger Nostalgie durchdrungen sein kann oder wie Stolz von Angst und Wut überschattet wird. Ihre Arbeiten fangen diese vielschichtigen, oft widersprüchlichen inneren Zustände mit Feingefühl und Empathie ein. Androetta Bekkers Debütausstellung fand im Dezember 2020 statt. Seitdem hat sie beachtliche Anerkennung erhalten, darunter eine Platzierung unter den Top 40 beim Sanlam Portrait Award 2021 und einen Silberpreis beim internationalen Schwarz-Weiß-Kunstwettbewerb der Camelback Gallery im selben Jahr. Ihre Werke wurden in Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie Artisart, Cahoots und Rust-en-Vrede sowie in der Ausstellung „Home Is Where the Art Is“ im Zeitz MOCAA gezeigt. Diese Auszeichnungen führten zu zahlreichen Einladungen zu Gruppenausstellungen und Aufträgen, darunter auch internationale Präsentationen. Androetta Bekker stellte ihre Arbeiten im November 2022 und 2023 in Palma de Mallorca, Spanien, sowie in Kassel, Deutschland, aus. 2024 war sie auf der internationalen Gruppenausstellung „Positions Berlin Art Fair“ vertreten, die ihre charakteristischen Oberflächenmuster und ihre emotionale Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz in den Vordergrund stellte.
Androetta Bekker
Reflect
76 cm x 51 cm
1.900 €
Androetta Bekker wurde 1982 in einer Kleinstadt im Freistaat geboren und wuchs dort inmitten der vielfältigen südafrikanischen Kulturen auf. Schon früh durch ihre Mutter, selbst Künstlerin, an die Kunst herangeführt, lernte Androetta Bekker Kreativität als kraftvolles Ausdrucksmittel kennen. Doch erst später – nachdem eine erfolgreiche Karriere in den Naturwissenschaften durch einen traumatischen Unfall unterbrochen wurde – fand sie wieder zu ihren künstlerischen Wurzeln zurück. Dieser einschneidende persönliche Wandel prägte ihre Überzeugung, dass Veränderungen, so schwierig sie auch sein mögen, angenommen werden sollten, da sie oft als Katalysator für Entdeckungen und persönliches Wachstum dienen. Heute lebt und arbeitet Androetta Bekker in Kapstadt und lässt sich von der lebendigen kulturellen Vielfalt des Landes inspirieren. Ihre ausdrucksstarken und farbenfrohen Werke zeichnen sich durch ausdrucksstarke Illustrationen und markante Oberflächenmuster aus. Ihre Bildsprache ist zwar auffällig und dynamisch, doch ihre wahre künstlerische Leidenschaft gilt der Erforschung der Tiefe und Komplexität universeller menschlicher Emotionen. In ihren Porträts untersucht sie, wie Menschen selten eine einzelne Emotion isoliert erleben – wie Traurigkeit von freudiger Nostalgie durchdrungen sein kann oder wie Stolz von Angst und Wut überschattet wird. Ihre Arbeiten fangen diese vielschichtigen, oft widersprüchlichen inneren Zustände mit Feingefühl und Empathie ein. Androetta Bekkers Debütausstellung fand im Dezember 2020 statt. Seitdem hat sie beachtliche Anerkennung erhalten, darunter eine Platzierung unter den Top 40 beim Sanlam Portrait Award 2021 und einen Silberpreis beim internationalen Schwarz-Weiß-Kunstwettbewerb der Camelback Gallery im selben Jahr. Ihre Werke wurden in Gruppenausstellungen in renommierten Galerien wie Artisart, Cahoots und Rust-en-Vrede sowie in der Ausstellung „Home Is Where the Art Is“ im Zeitz MOCAA gezeigt. Diese Auszeichnungen führten zu zahlreichen Einladungen zu Gruppenausstellungen und Aufträgen, darunter auch internationale Präsentationen. Androetta Bekker stellte ihre Arbeiten im November 2022 und 2023 in Palma de Mallorca, Spanien, sowie in Kassel, Deutschland, aus. 2024 war sie auf der internationalen Gruppenausstellung „Positions Berlin Art Fair“ vertreten, die ihre charakteristischen Oberflächenmuster und ihre emotionale Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz in den Vordergrund stellte.
Claude Chandler
bloom
130 cm x 90 cm
2.350 €
Schon früh tauchte Claude Chandler in die Kunstszene von Durban ein, da seine Eltern beide talentierte lokale Künstler und bekannte Persönlichkeiten der Szene waren. In der Schule sorgte Claudes Kunst für Kontroversen, und seine Mutter wurde aufgrund der Bedenken der Lehrer gelegentlich zum Unterricht einbestellt. Obwohl dies in der Schule ein Hindernis darstellte, kam es ihm später in seiner Karriere zugute: Er wurde 2011 bei der Mitgliederausstellung der KZNSA für seine skatologische Interpretation des Themas „The Bold and the Beautiful“ mit dem zweiten Platz ausgezeichnet. Nach seinem Abschluss 2011 zog Claude nach Kapstadt, um seine künstlerische Laufbahn voranzutreiben. Er war Finalist bei den SPI Portrait Awards 2013 und hat an zahlreichen Kunstmessen und Gruppenausstellungen teilgenommen. Zwei seiner Einzelausstellungen in Kapstadt waren restlos ausverkauft. Seit 2017 gestaltet Claude außerdem Wandmalereien in Kapstadt und baut sich nach und nach ein Portfolio an Street-Art-Werken auf. Aktuell arbeitet er in den EastSide Studios, einem Künstlerkollektiv, das er auch leitet. Im Jahr 2018 startete er außerdem ein neues Projekt mit Blended Audio und moderiert seitdem einen Podcast über visuelle Kunst namens Art Pod.
Claude Chandler
Cospunden
130 cm x 90 cm
2.350 €
Schon früh tauchte Claude Chandler in die Kunstszene von Durban ein, da seine Eltern beide talentierte lokale Künstler und bekannte Persönlichkeiten der Szene waren. In der Schule sorgte Claudes Kunst für Kontroversen, und seine Mutter wurde aufgrund der Bedenken der Lehrer gelegentlich zum Unterricht einbestellt. Obwohl dies in der Schule ein Hindernis darstellte, kam es ihm später in seiner Karriere zugute: Er wurde 2011 bei der Mitgliederausstellung der KZNSA für seine skatologische Interpretation des Themas „The Bold and the Beautiful“ mit dem zweiten Platz ausgezeichnet. Nach seinem Abschluss 2011 zog Claude nach Kapstadt, um seine künstlerische Laufbahn voranzutreiben. Er war Finalist bei den SPI Portrait Awards 2013 und hat an zahlreichen Kunstmessen und Gruppenausstellungen teilgenommen. Zwei seiner Einzelausstellungen in Kapstadt waren restlos ausverkauft. Seit 2017 gestaltet Claude außerdem Wandmalereien in Kapstadt und baut sich nach und nach ein Portfolio an Street-Art-Werken auf. Aktuell arbeitet er in den EastSide Studios, einem Künstlerkollektiv, das er auch leitet. Im Jahr 2018 startete er außerdem ein neues Projekt mit Blended Audio und moderiert seitdem einen Podcast über visuelle Kunst namens Art Pod.
Claude Chandler
flora
130 cm x 90 cm
2.350 €
Schon früh tauchte Claude Chandler in die Kunstszene von Durban ein, da seine Eltern beide talentierte lokale Künstler und bekannte Persönlichkeiten der Szene waren. In der Schule sorgte Claudes Kunst für Kontroversen, und seine Mutter wurde aufgrund der Bedenken der Lehrer gelegentlich zum Unterricht einbestellt. Obwohl dies in der Schule ein Hindernis darstellte, kam es ihm später in seiner Karriere zugute: Er wurde 2011 bei der Mitgliederausstellung der KZNSA für seine skatologische Interpretation des Themas „The Bold and the Beautiful“ mit dem zweiten Platz ausgezeichnet. Nach seinem Abschluss 2011 zog Claude nach Kapstadt, um seine künstlerische Laufbahn voranzutreiben. Er war Finalist bei den SPI Portrait Awards 2013 und hat an zahlreichen Kunstmessen und Gruppenausstellungen teilgenommen. Zwei seiner Einzelausstellungen in Kapstadt waren restlos ausverkauft. Seit 2017 gestaltet Claude außerdem Wandmalereien in Kapstadt und baut sich nach und nach ein Portfolio an Street-Art-Werken auf. Aktuell arbeitet er in den EastSide Studios, einem Künstlerkollektiv, das er auch leitet. Im Jahr 2018 startete er außerdem ein neues Projekt mit Blended Audio und moderiert seitdem einen Podcast über visuelle Kunst namens Art Pod.
Claude Chandler
orotund
180 cm x 120 cm
4.200 €
Schon früh tauchte Claude Chandler in die Kunstszene von Durban ein, da seine Eltern beide talentierte lokale Künstler und bekannte Persönlichkeiten der Szene waren. In der Schule sorgte Claudes Kunst für Kontroversen, und seine Mutter wurde aufgrund der Bedenken der Lehrer gelegentlich zum Unterricht einbestellt. Obwohl dies in der Schule ein Hindernis darstellte, kam es ihm später in seiner Karriere zugute: Er wurde 2011 bei der Mitgliederausstellung der KZNSA für seine skatologische Interpretation des Themas „The Bold and the Beautiful“ mit dem zweiten Platz ausgezeichnet. Nach seinem Abschluss 2011 zog Claude nach Kapstadt, um seine künstlerische Laufbahn voranzutreiben. Er war Finalist bei den SPI Portrait Awards 2013 und hat an zahlreichen Kunstmessen und Gruppenausstellungen teilgenommen. Zwei seiner Einzelausstellungen in Kapstadt waren restlos ausverkauft. Seit 2017 gestaltet Claude außerdem Wandmalereien in Kapstadt und baut sich nach und nach ein Portfolio an Street-Art-Werken auf. Aktuell arbeitet er in den EastSide Studios, einem Künstlerkollektiv, das er auch leitet. Im Jahr 2018 startete er außerdem ein neues Projekt mit Blended Audio und moderiert seitdem einen Podcast über visuelle Kunst namens Art Pod.
Corné Eksteen
Biometric Encryption I
80 cm x 80 cm
2.200 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Corné Eksteen
Analogue Avatar II
140 cm x 140 cm
3.200 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Corné Eksteen
Evidence of an enquiry into vibration
100 cm x 100 cm
2.300 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Corné Eksteen
Vibration in the echo chamber
100 cm x 100 cm
2.300 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Corné Eksteen
Transposition III
123 cm x 100 cm
2.950 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Corné Eksteen
Transposition VII
123 cm x 100 cm
2.950 €
Corné Eksteen, geboren 1973 in Zastron, Freistaat, ist ein zeitgenössischer bildender Künstler, dessen bemerkenswertes Talent, Technik und stetig wachsender Stil ihn zu einer angesehenen Persönlichkeit der südafrikanischen und internationalen Kunstszene gemacht haben. Nach seinem Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Pretoria und der Universität von Südafrika prägten Eksteens frühe Berufsjahre in kreativen Branchen wie Herrenmodedesign, Inneneinrichtung und Digitaldesign seine künstlerische Vision und bereichern die Ausdrucksebenen seiner heutigen Werke. Seit 1996 arbeitet Corné Eksteen als freischaffender bildender Künstler und stellt regelmäßig aus. Seine künstlerische Praxis wurzelt in der Tradition der figurativen und abstrakten Malerei, die er nahtlos miteinander verbindet, um Werke zu schaffen, die über die bloße physische Ähnlichkeit hinausgehen. Eksteens Porträts sind nicht einfach nur Darstellungen seiner Modelle; sie sind Erkundungen der Komplexität von Identität, Selbstwahrnehmung und der fließenden, oft fragmentarischen Natur der modernen Psyche. Wie Eksteen selbst beschreibt, versuchen seine Werke, „das Sujet visuell zu sezieren und zu dekonstruieren, um die Dynamik und die Vergänglichkeit der Psyche des 21. Jahrhunderts zu verstehen.“ Seine Gemälde wollen einen Dialog über die persönliche Identität anstoßen und die Betrachter dazu einladen, über die wandelbare und fragmentierte Natur des Selbst im modernen Leben nachzudenken und nach neuen Archetypen zu suchen, die den Herausforderungen und Erzählungen des 21. Jahrhunderts gerecht werden. Corné Eksteens kreativer Prozess ist gleichermaßen akribisch und innovativ. Jedes Kunstwerk beginnt mit mehreren Sitzungen mit dem Modell, gefolgt von der digitalen Bearbeitung von Referenzmaterialien. Anschließend kommen in der Malphase experimentelle Techniken zum Einsatz, die mit Kontrasten spielen – Transparenz und Opazität, Dunkelheit und Licht sowie kontrollierte Präzision und expressive Spontaneität in Einklang bringen. Obwohl Eksteens Werke auf den ersten Blick minimalistisch wirken, konfrontieren sie die Betrachter mit einer rohen emotionalen Intensität, die auf mehreren Ebenen Resonanz erzeugt. Ein Kennzeichen von Corné Eksteens künstlerischem Werdegang ist seine ständige Weiterentwicklung. Er erfindet seinen Porträtstil immer wieder neu und eröffnet neue thematische „Kapitel“, die die Grenzen seiner künstlerischen Sprache erweitern und sein Publikum fesseln und gespannt auf das Kommende warten lassen. Eksteens Karriere ist geprägt von einer Reihe erfolgreicher Einzelausstellungen und internationaler Anerkennung. Seit 2018 sind seine Werke prominent in den Ausstellungen der Travelling Art Gallery in Hamburg, Frankfurt, München, Palma de Mallorca und Kitzbühel (Österreich) vertreten. In Kapstadt wird Corné Eksteen von der Artists Gallery vertreten. Seine wachsende Anerkennung und sein Erfolg zeugen von seiner außergewöhnlichen künstlerischen Vision, seiner technischen Meisterschaft und der tiefen emotionalen Ausdruckskraft, die sein Werk prägt.
Cornè Theron
Echoes Through Glass
100 cm x 120 cm
5.400 €
Cornè Theron ist eine ehemalige Notarin, die sich der Kunst zuwandte und mit ihren innovativen und emotional berührenden Werken schnell Anerkennung erlangte. Geboren 1974 in Worcester, Südafrika, studierte Cornè Theron Rechtswissenschaften an der Universität des Oranje-Freistaats und schloss ihr Studium 1997 mit dem LLB ab. Nach einigen Jahren in der Anwaltschaft wechselte sie in die Kunstwelt, wo ihr Talent rasch Anerkennung fand. Sie war Finalistin im „Fresh Talent Competition“ der Crouse Gallery und wurde für die SA Taxi Art Awards nominiert. Theron nahm an zahlreichen Gruppenausstellungen teil und präsentierte ihre erste Einzelausstellung in Johannesburg. 2019 zog Cornè Theron mit einem Talentvisum der französischen Regierung nach Frankreich, um ihre künstlerische Karriere weiterzuentwickeln. Während dieser Zeit, in einem Bauernhaus in der Nähe von Kapstadt, begann sie mit Glas als Medium zu experimentieren, um ihre Bilder zu pixelieren. Diese Innovation verlieh ihren Werken Abstraktion und Tiefe und verwischte die Grenzen zwischen Realität und Wahrnehmung. In ihrer künstlerischen Praxis sind Pixel nicht bloß ästhetische Elemente – sie symbolisieren Individualität innerhalb eines Kollektivs und spiegeln die menschliche Erfahrung in der Gesellschaft wider. Jedes Pixel in Cornè Therons Werk repräsentiert einen bestimmten Aspekt des Selbst. Im Ganzen betrachtet, verschmelzen diese Elemente zu einem stimmigen Bild, ähnlich wie Individuen eine Gemeinschaft bilden. Dieses konzeptionelle Rahmenwerk ist vom Neoimpressionismus inspiriert, in dem kleine, einzelne Komponenten zu einem einheitlichen visuellen Ausdruck zusammenkommen. In Frankreich erforscht Theron weiterhin Glas als Filter, angeregt durch die Entdeckung von Vintage-Glas in einer alten Tür während der Renovierung ihres Hauses. Ihre Praxis ist multidisziplinär und verbindet traditionelle und digitale Medien. Sie schafft reich strukturierte Ölgemälde auf Leinwand, die den Betrachter einladen, unter die Oberfläche zu blicken. Ihr Werk umfasst außerdem Fotografie, Video, Computergrafik und Animationen ihrer digitalen Arbeiten. 2020 präsentierte Cornè Theron ihre erste internationale Einzelausstellung „AMA“ in Frankfurt, die innerhalb einer Woche ausverkauft war. Mit ihrer Ausstellung „AQUA“ 2023 in Kassel und einer anschließenden Einzelausstellung 2024 in München, kuratiert von Dr. Sonja Lechner, erntete sie weitere Anerkennung. Cornè Theron gilt als neo-optische zeitgenössische Künstlerin, die sich intensiv mit dem Unterbewusstsein auseinandersetzt. Wasser dient in ihren Werken als wiederkehrende Metapher und symbolisiert die fließende und oft verborgene Natur menschlichen Verhaltens. Durch diese Linse erforscht sie die Frage: „Warum tun wir, was wir tun?“ In ihrer Kunst wird Wasser zum Medium, um die Tiefen und Komplexitäten der menschlichen Psyche im Wechselspiel zwischen Bewusstsein und Unbewusstsein zu untersuchen. Ihre Werke, bekannt für ihre intellektuelle und emotionale Tiefe, regen die Betrachter zur Reflexion über ihr eigenes Verhalten und ihre Motivationen an. Cornè Theron wird von einer Reihe namhafter Sammler unterstützt, darunter Mike Steib, ehemaliger CEO von Artsy, der ihre Arbeit öffentlich gelobt hat. Cornè Theron lebt derzeit in Frankreich, wo sie ihre künstlerische Praxis weiterentwickelt und neue Perspektiven auf die menschliche Erfahrung erforscht. Sie wird von der Artists Gallery in Kapstadt vertreten.
Cornè Theron
What The Water Holds
140 cm x 290 cm
9.800 €
Cornè Theron ist eine ehemalige Notarin, die sich der Kunst zuwandte und mit ihren innovativen und emotional berührenden Werken schnell Anerkennung erlangte. Geboren 1974 in Worcester, Südafrika, studierte Cornè Theron Rechtswissenschaften an der Universität des Oranje-Freistaats und schloss ihr Studium 1997 mit dem LLB ab. Nach einigen Jahren in der Anwaltschaft wechselte sie in die Kunstwelt, wo ihr Talent rasch Anerkennung fand. Sie war Finalistin im „Fresh Talent Competition“ der Crouse Gallery und wurde für die SA Taxi Art Awards nominiert. Theron nahm an zahlreichen Gruppenausstellungen teil und präsentierte ihre erste Einzelausstellung in Johannesburg. 2019 zog Cornè Theron mit einem Talentvisum der französischen Regierung nach Frankreich, um ihre künstlerische Karriere weiterzuentwickeln. Während dieser Zeit, in einem Bauernhaus in der Nähe von Kapstadt, begann sie mit Glas als Medium zu experimentieren, um ihre Bilder zu pixelieren. Diese Innovation verlieh ihren Werken Abstraktion und Tiefe und verwischte die Grenzen zwischen Realität und Wahrnehmung. In ihrer künstlerischen Praxis sind Pixel nicht bloß ästhetische Elemente – sie symbolisieren Individualität innerhalb eines Kollektivs und spiegeln die menschliche Erfahrung in der Gesellschaft wider. Jedes Pixel in Cornè Therons Werk repräsentiert einen bestimmten Aspekt des Selbst. Im Ganzen betrachtet, verschmelzen diese Elemente zu einem stimmigen Bild, ähnlich wie Individuen eine Gemeinschaft bilden. Dieses konzeptionelle Rahmenwerk ist vom Neoimpressionismus inspiriert, in dem kleine, einzelne Komponenten zu einem einheitlichen visuellen Ausdruck zusammenkommen. In Frankreich erforscht Theron weiterhin Glas als Filter, angeregt durch die Entdeckung von Vintage-Glas in einer alten Tür während der Renovierung ihres Hauses. Ihre Praxis ist multidisziplinär und verbindet traditionelle und digitale Medien. Sie schafft reich strukturierte Ölgemälde auf Leinwand, die den Betrachter einladen, unter die Oberfläche zu blicken. Ihr Werk umfasst außerdem Fotografie, Video, Computergrafik und Animationen ihrer digitalen Arbeiten. 2020 präsentierte Cornè Theron ihre erste internationale Einzelausstellung „AMA“ in Frankfurt, die innerhalb einer Woche ausverkauft war. Mit ihrer Ausstellung „AQUA“ 2023 in Kassel und einer anschließenden Einzelausstellung 2024 in München, kuratiert von Dr. Sonja Lechner, erntete sie weitere Anerkennung. Cornè Theron gilt als neo-optische zeitgenössische Künstlerin, die sich intensiv mit dem Unterbewusstsein auseinandersetzt. Wasser dient in ihren Werken als wiederkehrende Metapher und symbolisiert die fließende und oft verborgene Natur menschlichen Verhaltens. Durch diese Linse erforscht sie die Frage: „Warum tun wir, was wir tun?“ In ihrer Kunst wird Wasser zum Medium, um die Tiefen und Komplexitäten der menschlichen Psyche im Wechselspiel zwischen Bewusstsein und Unbewusstsein zu untersuchen. Ihre Werke, bekannt für ihre intellektuelle und emotionale Tiefe, regen die Betrachter zur Reflexion über ihr eigenes Verhalten und ihre Motivationen an. Cornè Theron wird von einer Reihe namhafter Sammler unterstützt, darunter Mike Steib, ehemaliger CEO von Artsy, der ihre Arbeit öffentlich gelobt hat. Cornè Theron lebt derzeit in Frankreich, wo sie ihre künstlerische Praxis weiterentwickelt und neue Perspektiven auf die menschliche Erfahrung erforscht. Sie wird von der Artists Gallery in Kapstadt vertreten.
Jaime Danielle Smith
Echoes of the unseen
120 cm x 240 cm
4.700 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Jaime Danielle Smith
A small candle burns bright
150 cm x 150 cm
3.900 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Jaime Danielle Smith
elbe
60 cm x 60 cm
1.400 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Jaime Danielle Smith
Italian Summer
80 cm x 80 cm
2.100 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Jaime Danielle Smith
peak season
150 cm x 150 cm
3.900 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Jaime Danielle Smith
Sands of time
80 cm x 80 cm
2.100 €
Jaime Danielle Smith ist eine in Simbabwe geborene Künstlerin des Abstrakten Expressionismus, die derzeit in Stuttgart lebt. Ihr Leben und ihre Karriere sind geprägt von vielfältigen Erfahrungen – von ihrer Kindheit in Harare und Kapstadt bis hin zu ausgedehnten Reisen durch Europa, Großbritannien und die Karibik. Diese globalen Einflüsse, verbunden mit einer tiefen Verbundenheit zur Natur und zum Menschsein, sind zentral für ihre künstlerische Ausdrucksweise. Nach ihrer Emigration nach Südafrika aufgrund der politischen Unruhen in Simbabwe absolvierte Jaime Danielle Smith ein Studium der Film- und Sozialanthropologie und baute sich anschließend eine erfolgreiche Karriere in der Filmproduktion auf. Darauf folgte ein mutiger Schritt: Vier Jahre lang arbeitete und reiste sie auf Superyachten und tauchte ein in die Landschaften und Meerespanoramen des Mittelmeers und der Karibik – Umgebungen, die ihre künstlerische Perspektive bis heute beeinflussen. Berlin markierte einen Wendepunkt in Jaime Danielle Smiths Werdegang. Dort entwickelte sich ihre anhaltende Leidenschaft für die Malerei zu einem Vollzeitberuf. Weitgehend autodidaktisch, geht sie mit unstillbarer Neugier und dem festen Willen zum Experimentieren, zum Prozess und zur Weiterentwicklung an ihre künstlerische Praxis heran. Die Geburt ihrer Tochter wirkte als tiefgreifender Katalysator und bestärkte Jaime Danielle Smith darin, ihre Identität als Künstlerin vollends anzunehmen und die Malerei zu ihrem Hauptfokus zu machen. Jaime Danielle Smiths Werk erforscht die Beziehung zwischen Natur und Psyche, die Spannung zwischen Leere und Chaos sowie die emotionale Resonanz von Erinnerung und Ort. Ihre Gemälde zeichnen sich durch reiche Schichten und Texturen aus, die die Komplexität der sich wandelnden Lebensphasen widerspiegeln. Sie kombiniert lockere, gestische Pinselstriche und dynamische Linienführung mit Bereichen der Ruhe und Stille und schafft so visuelle Räume, die zum Nachdenken und zu emotionaler Verbundenheit einladen. Als prozessorientierte Künstlerin ist Jaime Danielle Smith überzeugt, dass Kunst eher gefühlt als verstanden werden sollte. Sie wendet sich oft an Betrachter, die in abstrakter Kunst nach Klarheit suchen, und betont stattdessen die Kraft der Mehrdeutigkeit, tiefere emotionale Reaktionen hervorzurufen. Ihre großformatigen Werke laden zum ganzheitlichen Erleben ein und spiegeln ihren Wunsch wider, immersive, lebendige Erlebnisse zu schaffen, die inmitten der Unvorhersehbarkeit des Lebens Momente der Stille bieten. Mit ihren Arbeiten lädt Jaime Danielle Smith die Betrachter ein, sich in einem Kaleidoskop aus Farben, Texturen und Gefühlen zu verlieren und bei jeder Begegnung etwas Neues zu entdecken. 2022 präsentierte Jaime Danielle Smith ihre vielbeachtete Einzelausstellung „Mapping The Past“ in Hamburg, die ihr große Anerkennung und Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist aktives Mitglied der internationalen Künstlerinitiative „The Travelling Art Gallery“ und wird in Südafrika exklusiv von der Artists Gallery vertreten.
Mandlenkosi Mavengere
Dependence of my independence
118 cm x 185 cm
4.200 €
Mandlenkosi Mavengere ist ein in Simbabwe geborener Künstler, dessen Werk sich mit den Themen Migration, Identität und wirtschaftliche Ungleichheit auseinandersetzt. Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine besondere Kombination aus Druckgrafik und Malerei aus. Geboren 1992 in Bulawayo, Simbabwe, zog Mavengere nach seinem Schulabschluss nach Südafrika, wo er seine künstlerische Laufbahn im renommierten Artist Proof Studio begann und ein dreijähriges Druckgrafik-Programm absolvierte. Im Zentrum von Mandlenkosi Mavengeres künstlerischer Praxis steht die konzeptuelle Auseinandersetzung mit Währung, insbesondere mit seinen fiktiven „Gondruala“-Banknoten. Diese symbolisieren das Streben nach Reichtum als Triebkraft der Migration und kritisieren die sozioökonomischen Systeme, die die Identität von Migranten prägen. Seine Linolschnitte und Radierungen, oft auf Leinwand oder Stoff gedruckt, zeigen Linien, die Vertreibung darstellen, sich wiederholende Muster, die systemische Zwänge widerspiegeln, und Porträts mit berufsbezogener Kopfbedeckung, die die Transformation von Migranten im Prozess der Integration verdeutlichen. Mavengeres Kunst ist zutiefst persönlich und entspringt seinen eigenen Erfahrungen mit den komplexen Herausforderungen der Migration. „Man ist gezwungen, seine Werte und Kultur aufzugeben, um sich anzupassen“, reflektiert er. Seine Arbeiten thematisieren nicht nur die individuellen Kosten der Migration, sondern auch die grundsätzliche Rolle Afrikas in der Weltwirtschaft. Er beleuchtet die Ausbeutung des natürlichen Reichtums des Kontinents und die anhaltenden wirtschaftlichen Ungleichgewichte in einer globalisierten Welt. 2017 wurde Mandlenkosi Mavengere für ein Mentoring-Programm im William Kentridge Studio ausgewählt, das seinen konzeptionellen Horizont um Skulptur und fortgeschrittene Drucktechniken erweiterte. Seitdem hat er auf renommierten Plattformen wie der Turbine Art Fair, der AKAA Art Fair (Paris), der Cape Town Art Fair, der Absa Gallery und Strauss & Co ausgestellt. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Sammlungen wie der Johannesburger Börse und dem Minerals Council South Africa. Im Jahr 2025 wird seine Einzelausstellung „Währung, Kultur & Migration: Die Druckgrafik- und Radierungssammlung von Mandla Mavengere“ in der MCA Gallery – Madlozi Contemporary Art präsentiert und festigt damit seine Rolle als wichtige Stimme der zeitgenössischen afrikanischen Kunst. Mit vielschichtiger Symbolik und ausdrucksstarken Bildern regt Mandlenkosi Mavengeres Kunst zum Nachdenken über die Kosten der Migration, die Konstruktion von Identität und die Beharrlichkeit derer an, die nach einer besseren Zukunft suchen. Er wird derzeit in Kapstadt von der Artists Gallery vertreten und seine Werke sind weiterhin international mit der Travelling Art Gallery auf Tournee.
Marli Steyl
Jane & Joe
125 cm x 94 cm (Gerahmt in einem Kiaat-Schattenkastenrahmen)
2.100 €
Marli Steyl porträtiert den Alltag und möchte, dass sich der Betrachter mit ihrer Kunst vertraut fühlt. Sie geht an ihre Gemälde heran, indem sie die Farbmischung an das jeweilige Motiv anpasst und diese mit ausdrucksstarken Maltechniken kombiniert. Sie erforscht die Fragmentierung der Farben und nutzt Farbschichten, um Formen zu erzeugen. Steyls bevorzugtes Medium sind Öl und Alkohol-Tinte; ihre Kunst entsteht hauptsächlich auf Leinwand oder Papier. Der Großteil ihrer Kunst setzt sich mit ihren Erfahrungen und ihrem Lebensstil in ihrer Heimat Südafrika auseinander – oft mit Naturszenen, inspiriert von Wanderungen, oder mit Menschen aus ihrer Umgebung und ihren alltäglichen Momenten. Marli Steyl wurde 1993 in Johannesburg geboren und schloss 2015 ihr Studium der Bildenden Kunst an der Universität Pretoria mit einem Bachelor of Arts ab. Nach ihrem Abschluss zog sie nach Kapstadt und stellte in verschiedenen Gruppenausstellungen aus. Ihr besonderer Stil und ihre Technik sowie ihre freundliche Persönlichkeit werden Steyl sicherlich eine erfolgreiche Karriere in der bildenden Kunst ermöglichen.
Marli Steyl
Swimming in the pools of top of Table Mountain
94 cm x 125 cm (Gerahmt in einem Kiaat-Schattenkastenrahmen)
2.100 €
Marli Steyl porträtiert den Alltag und möchte, dass sich der Betrachter mit ihrer Kunst vertraut fühlt. Sie geht an ihre Gemälde heran, indem sie die Farbmischung an das jeweilige Motiv anpasst und diese mit ausdrucksstarken Maltechniken kombiniert. Sie erforscht die Fragmentierung der Farben und nutzt Farbschichten, um Formen zu erzeugen. Steyls bevorzugtes Medium sind Öl und Alkohol-Tinte; ihre Kunst entsteht hauptsächlich auf Leinwand oder Papier. Der Großteil ihrer Kunst setzt sich mit ihren Erfahrungen und ihrem Lebensstil in ihrer Heimat Südafrika auseinander – oft mit Naturszenen, inspiriert von Wanderungen, oder mit Menschen aus ihrer Umgebung und ihren alltäglichen Momenten. Marli Steyl wurde 1993 in Johannesburg geboren und schloss 2015 ihr Studium der Bildenden Kunst an der Universität Pretoria mit einem Bachelor of Arts ab. Nach ihrem Abschluss zog sie nach Kapstadt und stellte in verschiedenen Gruppenausstellungen aus. Ihr besonderer Stil und ihre Technik sowie ihre freundliche Persönlichkeit werden Steyl sicherlich eine erfolgreiche Karriere in der bildenden Kunst ermöglichen.
Natasha Barnes
gratitude
120 cm x 180 cm
5.800 €
Die Malerei prägt Natashas Leben (geb. 1960) seit ihrem siebten Lebensjahr. Als Autodidaktin begann sie damit, alltägliche Bilder in Kunstwerke zu verwandeln, die instinktiv ihren Weg in zahlreiche kommerzielle und private Sammlungen weltweit fanden. Zu Beginn ihrer Karriere malte sie hauptsächlich zeitgenössische Blumen- und Landschaftsbilder, die noch heute weltweit bei vielen Verlagen erhältlich sind. Wie so oft im Leben schlug sie innerhalb kürzester Zeit eine völlig andere Richtung ein. Ihre Liebe zum Expressionismus und zur Bewegung ließ sich nicht unterdrücken. „Schließlich ließ ich meiner Hand freien Lauf und schuf die vielen großformatigen abstrakten Farbwerke, für die ich heute bekannt bin. Ich bin stark von der Natur und der Lehre der Lotusblume beeinflusst; es ist offensichtlich, dass Schönes tatsächlich aus dem Dunkeln entsteht. Es ist erstaunlich und inspirierend, dass eine so schöne Blume in trübem Wasser erblühen und gedeihen kann. Suchen Sie in Ihrem Gemälde nach dem Lotus: Sie werden dieses Zeichen in all meinen Werken finden.“ Neben zahlreichen internationalen Kunstmessen sowie Gruppen- und Einzelausstellungen hat sie Kunstwerke für Hollywood, das Fernsehen, Grußkarten, die Hotellerie, Fluggesellschaften und Vorstandsetagen geschaffen. Heute zählt Natasha zu den meistveröffentlichten Künstlerinnen Afrikas. Natashas Karriere begann jedoch nicht mit der Kunst. Sie besitzt ein internationales Grande Diplôme in Cordon Bleu-Küche, das sie an der renommierten Silwood Kitchen in Rondebosch, Südafrika, erworben hat. Heute hat Natasha ihr Atelier in Ballito, Südafrika, wo sie auch lebt. Wenn sie nicht gerade einen Großteil des Tages mit Malen verbringt, läuft sie in ihrer Freizeit gerne Marathon und genießt die Zeit in der afrikanischen Wildnis.
Natasha Barnes
Sparkling Waters
130 cm x 130 cm
4.600 €
Die Malerei prägt Natashas Leben (geb. 1960) seit ihrem siebten Lebensjahr. Als Autodidaktin begann sie damit, alltägliche Bilder in Kunstwerke zu verwandeln, die instinktiv ihren Weg in zahlreiche kommerzielle und private Sammlungen weltweit fanden. Zu Beginn ihrer Karriere malte sie hauptsächlich zeitgenössische Blumen- und Landschaftsbilder, die noch heute weltweit bei vielen Verlagen erhältlich sind. Wie so oft im Leben schlug sie innerhalb kürzester Zeit eine völlig andere Richtung ein. Ihre Liebe zum Expressionismus und zur Bewegung ließ sich nicht unterdrücken. „Schließlich ließ ich meiner Hand freien Lauf und schuf die vielen großformatigen abstrakten Farbwerke, für die ich heute bekannt bin. Ich bin stark von der Natur und der Lehre der Lotusblume beeinflusst; es ist offensichtlich, dass Schönes tatsächlich aus dem Dunkeln entsteht. Es ist erstaunlich und inspirierend, dass eine so schöne Blume in trübem Wasser erblühen und gedeihen kann. Suchen Sie in Ihrem Gemälde nach dem Lotus: Sie werden dieses Zeichen in all meinen Werken finden.“ Neben zahlreichen internationalen Kunstmessen sowie Gruppen- und Einzelausstellungen hat sie Kunstwerke für Hollywood, das Fernsehen, Grußkarten, die Hotellerie, Fluggesellschaften und Vorstandsetagen geschaffen. Heute zählt Natasha zu den meistveröffentlichten Künstlerinnen Afrikas. Natashas Karriere begann jedoch nicht mit der Kunst. Sie besitzt ein internationales Grande Diplôme in Cordon Bleu-Küche, das sie an der renommierten Silwood Kitchen in Rondebosch, Südafrika, erworben hat. Heute hat Natasha ihr Atelier in Ballito, Südafrika, wo sie auch lebt. Wenn sie nicht gerade einen Großteil des Tages mit Malen verbringt, läuft sie in ihrer Freizeit gerne Marathon und genießt die Zeit in der afrikanischen Wildnis.
Natasha Barnes
Big blue
140 cm x 150 cm
5.500 €
Die Malerei prägt Natashas Leben (geb. 1960) seit ihrem siebten Lebensjahr. Als Autodidaktin begann sie damit, alltägliche Bilder in Kunstwerke zu verwandeln, die instinktiv ihren Weg in zahlreiche kommerzielle und private Sammlungen weltweit fanden. Zu Beginn ihrer Karriere malte sie hauptsächlich zeitgenössische Blumen- und Landschaftsbilder, die noch heute weltweit bei vielen Verlagen erhältlich sind. Wie so oft im Leben schlug sie innerhalb kürzester Zeit eine völlig andere Richtung ein. Ihre Liebe zum Expressionismus und zur Bewegung ließ sich nicht unterdrücken. „Schließlich ließ ich meiner Hand freien Lauf und schuf die vielen großformatigen abstrakten Farbwerke, für die ich heute bekannt bin. Ich bin stark von der Natur und der Lehre der Lotusblume beeinflusst; es ist offensichtlich, dass Schönes tatsächlich aus dem Dunkeln entsteht. Es ist erstaunlich und inspirierend, dass eine so schöne Blume in trübem Wasser erblühen und gedeihen kann. Suchen Sie in Ihrem Gemälde nach dem Lotus: Sie werden dieses Zeichen in all meinen Werken finden.“ Neben zahlreichen internationalen Kunstmessen sowie Gruppen- und Einzelausstellungen hat sie Kunstwerke für Hollywood, das Fernsehen, Grußkarten, die Hotellerie, Fluggesellschaften und Vorstandsetagen geschaffen. Heute zählt Natasha zu den meistveröffentlichten Künstlerinnen Afrikas. Natashas Karriere begann jedoch nicht mit der Kunst. Sie besitzt ein internationales Grande Diplôme in Cordon Bleu-Küche, das sie an der renommierten Silwood Kitchen in Rondebosch, Südafrika, erworben hat. Heute hat Natasha ihr Atelier in Ballito, Südafrika, wo sie auch lebt. Wenn sie nicht gerade einen Großteil des Tages mit Malen verbringt, läuft sie in ihrer Freizeit gerne Marathon und genießt die Zeit in der afrikanischen Wildnis.
Karen Wykerd
Camps Bay Beach #12
100 cm x 120 cm
2.850 €
Das zentrale Thema von Karen Wykerds Werk ist die urbane Landschaft. Sie schloss 1982 ihr Grafikdesign-Studium am Johannesburg College of Art ab und arbeitete anschließend mehrere Jahre in der Werbebranche. Seit 2008 widmet sich Wykerd hauptberuflich der Malerei. Eine ihrer Hauptmotivationen als Künstlerin ist das Spiel mit dem Licht – wie es eine Szene prägt und deren Wirkung im Laufe der Zeit verändert. Die Künstlerin ist fasziniert davon, wie unterschiedlich eine Szene morgens und abends wirken kann. Das Zitat des Künstlers John Constable: „Der Himmel ist die Quelle des Lichts in der Natur und er bestimmt alles“, beeinflusst Wykerd in ihren Kunstwerken. Ihr Ziel ist es, die Schönheit des täglichen Pendelns hervorzuheben. Diese unscheinbaren Alltagsszenen, die durch Routine alltäglich werden, werden durch den Einsatz von Farbe, Licht und dünnen Farbschichten transformiert und aufgewertet. Plötzlich begegnet der Betrachter etwas Traumhaftem, das es wert ist, festgehalten zu werden. Wykerds Werke bestechen durch verträumt verschwommene Hintergründe und ruhige Farbpaletten. Diese Kombination schenkt dem Betrachter Ruhe und Besinnung; Momente, in denen wir uns wieder mit der Natur und mit uns selbst verbinden können. Ihre Liebe zum Detail ist unverkennbar.
Ryaan van Zyl
cast
180 cm x 220 cm
15.500 €
Riaan van Zyl erweitert kontinuierlich die Grenzen zeitgenössischer Kunst und klassischer Techniken und Konzepte. Inspiriert von alltäglichen Ideen, präsentiert er seine Eindrücke und Wahrnehmungen der Dinge um ihn herum und erfasst deren Kontext und Wert mit einem dekonstruierten Blick. Auf den ersten Blick wirken seine Arbeiten abstrakt und verwirrend, doch die Ergebnisse besitzen eine ganz eigene Syntax, Bildsprache und Komposition. Sie gleichen eher einer Performance von Bewegung als einer herkömmlichen Zeichnung. Riaan möchte Menschen dazu anregen, Alltagsgegenstände aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Er arbeitet gerne mit experimentellen Materialien wie Altöl und Anthrazit und experimentiert mit neuen und alten Techniken. Er hat international und national in über 30 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen ausgestellt, und seine Werke sind in einigen der renommiertesten Kunstsammlungen weltweit vertreten.
Ryaan van Zyl
Sketch 05
43 cm x 58 cm
1.950 €
Riaan van Zyl erweitert kontinuierlich die Grenzen zeitgenössischer Kunst und klassischer Techniken und Konzepte. Inspiriert von alltäglichen Ideen, präsentiert er seine Eindrücke und Wahrnehmungen der Dinge um ihn herum und erfasst deren Kontext und Wert mit einem dekonstruierten Blick. Auf den ersten Blick wirken seine Arbeiten abstrakt und verwirrend, doch die Ergebnisse besitzen eine ganz eigene Syntax, Bildsprache und Komposition. Sie gleichen eher einer Performance von Bewegung als einer herkömmlichen Zeichnung. Riaan möchte Menschen dazu anregen, Alltagsgegenstände aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Er arbeitet gerne mit experimentellen Materialien wie Altöl und Anthrazit und experimentiert mit neuen und alten Techniken. Er hat international und national in über 30 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen ausgestellt, und seine Werke sind in einigen der renommiertesten Kunstsammlungen weltweit vertreten.
Ryaan van Zyl
Sketch 09
43 cm x 58 cm
1.950 €
Riaan van Zyl erweitert kontinuierlich die Grenzen zeitgenössischer Kunst und klassischer Techniken und Konzepte. Inspiriert von alltäglichen Ideen, präsentiert er seine Eindrücke und Wahrnehmungen der Dinge um ihn herum und erfasst deren Kontext und Wert mit einem dekonstruierten Blick. Auf den ersten Blick wirken seine Arbeiten abstrakt und verwirrend, doch die Ergebnisse besitzen eine ganz eigene Syntax, Bildsprache und Komposition. Sie gleichen eher einer Performance von Bewegung als einer herkömmlichen Zeichnung. Riaan möchte Menschen dazu anregen, Alltagsgegenstände aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Er arbeitet gerne mit experimentellen Materialien wie Altöl und Anthrazit und experimentiert mit neuen und alten Techniken. Er hat international und national in über 30 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen ausgestellt, und seine Werke sind in einigen der renommiertesten Kunstsammlungen weltweit vertreten.
Ryaan van Zyl
The loner
140 cm x 90 cm
8.500 €
Riaan van Zyl erweitert kontinuierlich die Grenzen zeitgenössischer Kunst und klassischer Techniken und Konzepte. Inspiriert von alltäglichen Ideen, präsentiert er seine Eindrücke und Wahrnehmungen der Dinge um ihn herum und erfasst deren Kontext und Wert mit einem dekonstruierten Blick. Auf den ersten Blick wirken seine Arbeiten abstrakt und verwirrend, doch die Ergebnisse besitzen eine ganz eigene Syntax, Bildsprache und Komposition. Sie gleichen eher einer Performance von Bewegung als einer herkömmlichen Zeichnung. Riaan möchte Menschen dazu anregen, Alltagsgegenstände aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Er arbeitet gerne mit experimentellen Materialien wie Altöl und Anthrazit und experimentiert mit neuen und alten Techniken. Er hat international und national in über 30 Einzelausstellungen und zahlreichen Gruppenausstellungen ausgestellt, und seine Werke sind in einigen der renommiertesten Kunstsammlungen weltweit vertreten.
Sarah Danes Jarrett
12-53
200 cm x 124 cm
4.900 €
Sarah Danes Jarrett, die sich selbst als penibel ordentlich bezeichnet, wurde 1964 in Großbritannien geboren und wuchs in Simbabwe auf. Sie studierte Grafikdesign am Harare Technikon und schloss ihr Studium 1985 mit dem Diplom ab. 1988 zog sie nach Südafrika, wo sie ihre Karriere in der Designbranche begann. 1998, nach der Geburt ihres Kindes, hängte Sarah Danes Jarrett die Designwelt an den Nagel und kaufte sich ihre erste leere Leinwand, Ölfarben und Pinsel. Ihre Karriere als bildende Künstlerin begann unmittelbar danach und erregte schnell die Aufmerksamkeit von Kunstliebhabern und Sammlern weltweit. Sarah Danes Jarrett wird für ihre natürliche Schlichtheit und ihre authentische Art bewundert. Sie gibt offen zu, dass ihre Motivation nicht in Politik oder Ideologie wurzelt, sondern in der reinen Liebe zur Malerei und der damit verbundenen kreativen Erfahrung. Ihre Arbeiten konzentrieren sich seit jeher auf Menschen – insbesondere auf Gesichter. Sie ist fasziniert von der Transparenz und dem reflektierenden Glanz der Haut sowie von der kraftvollen Präsenz der Augen, die Geschichten zu erzählen scheinen, die über Worte hinausgehen. Sie verwendet bewusst Farben, die nicht natürlichen Hauttönen entsprechen, und verleiht ihren Werken so Abstraktion und emotionale Tiefe. Ihr einzigartiger Stil ist ein Paradoxon aus Chaos und Kontrolle. Kühne, dynamische Pinselstriche treffen auf weiche Kurven, die von präzisen Kanten scharf umrissen werden. Diese Spannung spiegelt Sarah Danes Jarretts Persönlichkeit wider – den Wunsch, in einer sich ständig wandelnden Welt Ordnung zu schaffen. Ihre Arbeiten sind zwar kühn, leuchtend und blockartig, bewahren aber stets einen Hauch von Bedachtsamkeit. Weiß spielt in ihren Gemälden eine zentrale Rolle. Sie beginnt mit Schichten leuchtender Farben und definiert dann die Form mit weißer Farbe, wodurch das Porträt in seinen letzten Zügen sichtbar wird. Heute gilt Sarah Danes Jarrett als eine der führenden Künstlerinnen Südafrikas. Sie wurde in zahlreichen Magazinen vorgestellt und hat auf internationalen Kunstausstellungen gezeigt, wobei ihre Werke häufig ausverkauft sind. Im Mai 2022 präsentierte Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in einer reinen Frauen-Gruppenausstellung in Hamburg im Rahmen der „Travelling Art Gallery“. Später im selben Jahr, im November, nahm sie an einer weiteren Gruppenausstellung in Palma de Mallorca, Spanien, teil. Ihre Kunst wurde außerdem im Februar 2023 in der Online-Ausstellung „New Beginnings“ von ARTSY präsentiert. Im Mai 2023 beteiligte sie sich an einer Gruppenausstellung in Kassel, und 2024 wurden ihre Werke im Rahmen der Ausstellung „Positions“ während der Berlin Art Week gezeigt, was ihre internationale Präsenz weiter festigte. In Kapstadt stellt Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in der Artists Gallery aus und begeistert und fesselt ihr Publikum weiterhin mit ihren emotionalen und visuell eindrucksvollen Porträts.
Sarah Danes Jarrett
14-24
200 cm x 120 cm
4.900 €
Sarah Danes Jarrett, die sich selbst als penibel ordentlich bezeichnet, wurde 1964 in Großbritannien geboren und wuchs in Simbabwe auf. Sie studierte Grafikdesign am Harare Technikon und schloss ihr Studium 1985 mit dem Diplom ab. 1988 zog sie nach Südafrika, wo sie ihre Karriere in der Designbranche begann. 1998, nach der Geburt ihres Kindes, hängte Sarah Danes Jarrett die Designwelt an den Nagel und kaufte sich ihre erste leere Leinwand, Ölfarben und Pinsel. Ihre Karriere als bildende Künstlerin begann unmittelbar danach und erregte schnell die Aufmerksamkeit von Kunstliebhabern und Sammlern weltweit. Sarah Danes Jarrett wird für ihre natürliche Schlichtheit und ihre authentische Art bewundert. Sie gibt offen zu, dass ihre Motivation nicht in Politik oder Ideologie wurzelt, sondern in der reinen Liebe zur Malerei und der damit verbundenen kreativen Erfahrung. Ihre Arbeiten konzentrieren sich seit jeher auf Menschen – insbesondere auf Gesichter. Sie ist fasziniert von der Transparenz und dem reflektierenden Glanz der Haut sowie von der kraftvollen Präsenz der Augen, die Geschichten zu erzählen scheinen, die über Worte hinausgehen. Sie verwendet bewusst Farben, die nicht natürlichen Hauttönen entsprechen, und verleiht ihren Werken so Abstraktion und emotionale Tiefe. Ihr einzigartiger Stil ist ein Paradoxon aus Chaos und Kontrolle. Kühne, dynamische Pinselstriche treffen auf weiche Kurven, die von präzisen Kanten scharf umrissen werden. Diese Spannung spiegelt Sarah Danes Jarretts Persönlichkeit wider – den Wunsch, in einer sich ständig wandelnden Welt Ordnung zu schaffen. Ihre Arbeiten sind zwar kühn, leuchtend und blockartig, bewahren aber stets einen Hauch von Bedachtsamkeit. Weiß spielt in ihren Gemälden eine zentrale Rolle. Sie beginnt mit Schichten leuchtender Farben und definiert dann die Form mit weißer Farbe, wodurch das Porträt in seinen letzten Zügen sichtbar wird. Heute gilt Sarah Danes Jarrett als eine der führenden Künstlerinnen Südafrikas. Sie wurde in zahlreichen Magazinen vorgestellt und hat auf internationalen Kunstausstellungen gezeigt, wobei ihre Werke häufig ausverkauft sind. Im Mai 2022 präsentierte Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in einer reinen Frauen-Gruppenausstellung in Hamburg im Rahmen der „Travelling Art Gallery“. Später im selben Jahr, im November, nahm sie an einer weiteren Gruppenausstellung in Palma de Mallorca, Spanien, teil. Ihre Kunst wurde außerdem im Februar 2023 in der Online-Ausstellung „New Beginnings“ von ARTSY präsentiert. Im Mai 2023 beteiligte sie sich an einer Gruppenausstellung in Kassel, und 2024 wurden ihre Werke im Rahmen der Ausstellung „Positions“ während der Berlin Art Week gezeigt, was ihre internationale Präsenz weiter festigte. In Kapstadt stellt Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in der Artists Gallery aus und begeistert und fesselt ihr Publikum weiterhin mit ihren emotionalen und visuell eindrucksvollen Porträts.
Sarah Danes Jarrett
13-28
135 cm x 85 cm
3.900 €
Sarah Danes Jarrett, die sich selbst als penibel ordentlich bezeichnet, wurde 1964 in Großbritannien geboren und wuchs in Simbabwe auf. Sie studierte Grafikdesign am Harare Technikon und schloss ihr Studium 1985 mit dem Diplom ab. 1988 zog sie nach Südafrika, wo sie ihre Karriere in der Designbranche begann. 1998, nach der Geburt ihres Kindes, hängte Sarah Danes Jarrett die Designwelt an den Nagel und kaufte sich ihre erste leere Leinwand, Ölfarben und Pinsel. Ihre Karriere als bildende Künstlerin begann unmittelbar danach und erregte schnell die Aufmerksamkeit von Kunstliebhabern und Sammlern weltweit. Sarah Danes Jarrett wird für ihre natürliche Schlichtheit und ihre authentische Art bewundert. Sie gibt offen zu, dass ihre Motivation nicht in Politik oder Ideologie wurzelt, sondern in der reinen Liebe zur Malerei und der damit verbundenen kreativen Erfahrung. Ihre Arbeiten konzentrieren sich seit jeher auf Menschen – insbesondere auf Gesichter. Sie ist fasziniert von der Transparenz und dem reflektierenden Glanz der Haut sowie von der kraftvollen Präsenz der Augen, die Geschichten zu erzählen scheinen, die über Worte hinausgehen. Sie verwendet bewusst Farben, die nicht natürlichen Hauttönen entsprechen, und verleiht ihren Werken so Abstraktion und emotionale Tiefe. Ihr einzigartiger Stil ist ein Paradoxon aus Chaos und Kontrolle. Kühne, dynamische Pinselstriche treffen auf weiche Kurven, die von präzisen Kanten scharf umrissen werden. Diese Spannung spiegelt Sarah Danes Jarretts Persönlichkeit wider – den Wunsch, in einer sich ständig wandelnden Welt Ordnung zu schaffen. Ihre Arbeiten sind zwar kühn, leuchtend und blockartig, bewahren aber stets einen Hauch von Bedachtsamkeit. Weiß spielt in ihren Gemälden eine zentrale Rolle. Sie beginnt mit Schichten leuchtender Farben und definiert dann die Form mit weißer Farbe, wodurch das Porträt in seinen letzten Zügen sichtbar wird. Heute gilt Sarah Danes Jarrett als eine der führenden Künstlerinnen Südafrikas. Sie wurde in zahlreichen Magazinen vorgestellt und hat auf internationalen Kunstausstellungen gezeigt, wobei ihre Werke häufig ausverkauft sind. Im Mai 2022 präsentierte Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in einer reinen Frauen-Gruppenausstellung in Hamburg im Rahmen der „Travelling Art Gallery“. Später im selben Jahr, im November, nahm sie an einer weiteren Gruppenausstellung in Palma de Mallorca, Spanien, teil. Ihre Kunst wurde außerdem im Februar 2023 in der Online-Ausstellung „New Beginnings“ von ARTSY präsentiert. Im Mai 2023 beteiligte sie sich an einer Gruppenausstellung in Kassel, und 2024 wurden ihre Werke im Rahmen der Ausstellung „Positions“ während der Berlin Art Week gezeigt, was ihre internationale Präsenz weiter festigte. In Kapstadt stellt Sarah Danes Jarrett ihre Arbeiten in der Artists Gallery aus und begeistert und fesselt ihr Publikum weiterhin mit ihren emotionalen und visuell eindrucksvollen Porträts.